COLECCIÓN SIMBÓLICA . EXPOSICIÓN COLECTIVA

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KOLKOZ

C´est la Féte!

El colectivo Kolkoz compuesto por el dúo francés Benjamin Moreau y Samuel Boutruche, dio un espectáculo exclusivo en la galería Distrito14 el 5 de noviembre.

El motivo fue celebrar la presentación de la muestra que se ha exhibido en Le Palais de Tokyo y el Museum d´Art Moderne de la Ville de París.

Los también DJ´s amenizaron una noche inolvidable en la que los asistentes tuvieron la oportunidad de conocer lo último de la colección de la galería y disfrutar de un coctel.

Además se presentó una muestra gastronómica en la que se desgustaron tacos azules del chef Marco García, tequila y bebidas a base de mexcal.

La fiesta, que se prolongó hasta la madrugada, resultó en un maridaje perfecto de música, arte y gastronomía.

Fotografías de Adrian Garza Sada para D14.

Más info sobre KOLKOZ.

THOMAS MAILAENDER

Thomas Mailaender is a french

multimedia artist based in Paris and

Marseille.

Documentation marks the starting

point for his work. Using a slightly

scientific way of working, he registers

insignificant, incidentatlly grotesque

moments that possess an abrupt

and unexepted monumentatlity.

A famous, recently deceased French critic once compared his work to Bernd and Hilla Becher

(while under the influence of Pastis, a southern french local liquor)

In the past, his work mainly focused on playing with the concept of typology.

Mailaender’s recent work has involved sculpture and installation.

He just created “The Fun Archive” that

aim to be the worst image bank ever.

http://www.thefunarchive.com

COLECTIVO C4 @ D14

Project - Avolution - by C4

Project - Avolution - by C4

DISTRITO 14 los invita a descubrir el trabajo de la pareja de diseñadores Christiane Büssgen &  Jesús 4lonso.

Trabajando bajo el criterio “un material y un proceso”, los diseñadores nos presentan una serie de productos  amigables  con el medio ambiente y placenteros a nuestros sentidos tales como Mobiliario, Cerámica y Luminarias.

Después  de exponer su trabajo en ciudades como Vienna, Milán y NY Distrito 14 les da la bienvenida  a la ciudad de Monterrey celebrando con coctel orgánico  de verano.

Los invitamos a visitar su página www.byc4.com 

 + FOTOS EN - www.facebook.com/galeria.d.catorce y www.estefaniamendivil.wordpress.com

DANIELLA QUEROL

Inmersos en paisajes con distintos niveles de sentido, es que la comunicación entre naturaleza y posibilidad se hace presente. Con una gama de diferentes técnicas, colores y planos dentro de figuraciones y abstracciones, es que Daniella Querol representa el potencial mas fino de la naturaleza en presencia de su posible destrucción. Seres en acción, elementos en gestión, acciones que al interactuar forman curiosas ideas que transforman.

El las pinturas-dibujo, se presentan mundos en comunión donde casi siempre la bella fuerza consciente de sus personajes mantiene el equilibrio desafiando constantemente la presencia del peligro y la destrucción. 

Alejadas de las formas  conocidas, los personajes nos hablan a través de la superposición de formas presentes disueltas en sombras, que representan una suma de valores, seres, símbolos que interactúan en ese espacio tan real y tan fantástico al mismo tiempo.  Y es ahí dentro y detrás  de todas las formas, como uno puede encontrarse en una distinta manera de estar y ser en el tiempo y en la realidad. 

Es a través de la pintura que Daniella nos regala tiempo presente en movimiento de colores y múltiples relaciones que invitan a imaginar y crear mundos posibles dentro de este mundo lleno de formas duras que habitamos.

BROADCAST SPAWNING: Mariel Quevedo

La primera vez que vi la serie de pinturas Broadcast Spawning pensé en la evolución de organismos y la constante supervivencia de poblaciones. Múltiples cambios ambientales que conspiran junto con una constante multitud de agentes infecciosos para poner a prueba un mundo orgánico y presionar sus posibilidades evolutivas.

Estas formas orgánicas evocan varios organismos captados en un momento de transición, crecimiento, reproducción mutación y conflicto. Estas formas son ambiguas y reflejan ideas que vienen de la microbiología, la biología marina y la tecnología. Cada pintura es un momento congelado de una interacción; como conjunto son la representación de momentos simultáneos en un solo cuerpo.

La tela de la pintura quisiera dejar de ser una superficie estática para convertirse en una piel que respira e intercambia sustancias, que recibe y genera mensajes. Una superficie que se comporta como una red que invoca a un cuerpo que esta fuera de las categorías del conocimiento: animal, vegetal, natural, artificial.  Estas estructuras que ceden ante los cambios que le ocurren a esta piel se convierten en fantasmas de conflictos anteriores, batallas perdidas, se convierten en cicatrices. Son fantasmas emergentes que a su vez pueden ser una respuesta a la invasión,  o  una defensa.

Dulce M. Trejo

OBRA RECIENTE: Raúl Cerrillo

FIESTA NEGRA . mixta sobre tela . 230 x 270 cm. 2011

RÍO VERDE . mixta sobre tela . 230 x 230 cm. 2011

MARCELO BALZARETTI: Exposición 2005

A continuación una selección de textos públicados sobre la obra de Marcelo Balzarettti:

José Luis Barrios, arte / FACTOS, Armas y Herramientas,

Una variable de la gráfica, no solo por ser digital, sino por el sentido que tiene la imagen, es la de Marcelo Balzaretti. Aquí, más que hablar del registro semántico textual, habría que hablar de la gráfica como huella o traza que evoca el dato perdido de las relaciones entre realidad e imaginarios. Materias vivas son transformadas en huellas gráficas y, con ello, en trazas que evocan tiempos místicos e imaginarios culturales y religiosos.

Catálogo X Salón de Arte Bancomer, 2004

José Manuel Springer, Del iconoclasta al voyerista, la tecnología como seducción. 

Armas y Herramientas.

Cada una de las imágenes de pescados animados que presenta Marcelo Balzaretti ha sido elaborada a partir de un pescado ( Peces Reanimados, 2004). La técnica japonesa de impresión de estos animales, conocida como gyotaku, tiene una tradición de 150 años. Tras el entintado de la piel del animal, se presiona el papel sobre el cuerpo. Balzaretti realiza varias impresiones con entintados distintos, las fotografía y las coloca en secuencia para crear una animación gráfica.

Este artista ha hecho una carrera experimentando con la imagen gráfica y su traducción a otros medios. Inició con un experimento de entintados sobre placas de grabado, cada uno de los cuales fotografió en secuencia con una cámara de cine de 16mm para crear una animación de 18 imágenes por segundo.

Además de analizar las posibilidades de la imagen móvil, Marcelo Balzaretti ha incursionado en la exploración de la génesis de la imagen El Santo Sudario se convirtió en uno de los temas de su más reciente trabajo (Muerte y resurrección, 2004). Mediante el entintado de su propio cuerpo, el artista produce una serie de imágenes impresas que fotografía, anima y proyecta, creando una imagen espectral. La secuencia de imágenes introduce su interpretación del corpus Christi a la tradición iconográfica cristiana con un soporte que, a diferencia de la pintura, la escultura o el textil, no ha tenido usos semejantes.

Catálogo X Salón de Arte Bancomer, 2004

Ramón Almela, Doctor en Artes Visuales, Técnica como Metáfora,

La reflexión del cuerpo como herramienta es aludida en otra estrategia gráfica por Marcelo

Balzaretti que hace de su cuerpo la plancha a entintar evocando el Santo Sudario. En otra

obra suya traslada, también, esta idea a la masa animal como impresión de peces logrados

con una antigua técnica de grabado japonés que revive en una animación sobre pantalla

digital mostrada en una interesante emulación de la ventana clásica del cuadro pictórico.

Criticarte.com, Dic 2004

Gabriela Galindo, Hasta cuando seguiremos preguntando… ¿esto es arte?,

Hoy, el arte utiliza las tecnologías como un gesto conceptual que critica determinados aspectos del mundo, de los medios y de la vida contemporánea. El artista emplea todos los recursos disponibles, los mezcla y crea un efecto nuevo de experiencia. Tal es el caso de la pieza Peces reanimados de Marcelo Balzaretti, que usa una técnica de impresión japonesa, que consiste en imprimir pescados entintados sobre papel, y la combina con la tecnología. En esta obra se proyectan en pequeñas pantallas de plasma una secuencia de las impresiones realizadas. La proyección continua provoca un efecto de movimiento en los peces, cuando en realidad lo que estamos viendo es una imagen de una imagen que salió de un pescado. Suena fuerte, pero el resultado es de una delicadeza sugerente que atrae la mirada y la cautiva.

replica21.com Nov 2004

Jennifer D Anderson, The gyotaku, Crossing cultures and boundaries,

Marcelo Balzaretti se sintió atraído por la capacidad de registrar y reproducir casi fotográfica de la técnica del gyotaku mientras creaba una serie de obras impresas a partir de objetos tridimensionales, como la cabeza de un borrego, un cráneo y su propio cuerpo. Trabajo que comenzó tras una investigar como el Sudario de Turín es simultáneamente un monotipo y una reliquia que sirvió como punto de partida para la cultura visual occidental.

Marcelo se ha interesado i en como la calidad impresión de un objeto puede variar desde el registro en detalle hasta su desvanecimiento en lla mancha.

Aun cuando tuvo una amplia formación en la estampa, Marcelo Balzaretti no se detiene en la impresión, trabaja con estas como medio para desarrollar animaciones. Combina el proceso más básico y primitivo de gyotaku con las posibilidades del video contemporáneo usando las impresiones como fotogramas de secuencias animada. Exhibidas en pantallas LCD sus animaciones de impresiones de pescado parpadean y se mueven como un pez en el agua.

World of washi, Summer 2006

Carla Rippey, 1998-2009 una descripción gráfica,

El campo actual de la gráfica invita a cruzar todo tipo de fronteras… están los artistas dedicados a rescatar técnicas tradicionales de otras culturas, como las notables impresiones de cuerpo entero de Marcelo Balzaretti, (autorretratos y peces), hechos con el procedimiento gráfico japonés. Además de los adelantos técnicos me parece muy interesante la posibilidad de abordar la placa como un elemento con salidas múltiples (combinando placas de distintas maneras e interviniendo el resultado) en vez de limitar su resolución a una sola imagen.

Arte y cultura en Movimiento 20 Años del Fonca, Ed. FONCA CONACULTA, 2010

WE NEED ANOTHER HERO de Alberto Ibáñez Cerda

WE NEED ANOTHER HERO
Proyecto para un Plan Nacional de Seguridad

Tomando como modelos arquetípicos del imaginario colectivo a los personajes y situaciones que aparecen en el filme Santo y Blue Demon contra los monstruos (1), el proyecto tiene como objetivos desarrollar un comentario alegórico y una deconstrucción visual de la problemática de criminalidad,
inseguridad, miedo e incertidumbre por la que atraviesa actualmente nuestro país.

Los personajes típicos de este clásico del cine de terror decadente (el héroe, el villano, los monstruos, la bella mujer en peligro, los compinches, el miedo y la muerte) son utilizados como alegorías de la problemática antes mencionada. Dichos personajes y situaciones sustituyen metafóricamente a los personajes y situaciones de la realidad criminal. Esta comparación alegórica tiene por objeto mostrar (“monstruo” tiene la misma raíz que “mostrar”) que la actual crisis de criminalidad e inseguridad posee los mismos atributos de lo monstruoso y lo terrorífico. El título del proyecto hace alusión a la latente necesidad colectiva de un héroe (como proyecto viable de seguridad nacional) que ponga fin a la dramática situación que se vive en México. De esta manera, los personajes y situaciones tomados de la película funcionan como estereotipos o arquetipos universales que reflejan (y dan cabida a) los
sentimientos de miedo, inseguridad e incertidumbre que experimenta nuestra sociedad.

Así mismo, la deconstrucción propuesta intenta evidenciar las contradicciones de nuestro sistema político (2), invirtiendo el orden convencional de las jerarquías de opuestos utilizadas en el contexto de la seguridad pública (autoridad y criminales, buenos y malos (3), seguridad e inseguridad, libertad y
sometimiento, secuestro y rescate, orden y anarquismo, etc.).

1Dirigida por Gilberto Martínez Solares en 1969.


2Dicho sistema es tanto causa como juez y parte de esta situación social y, como
propone Octavio Paz en El ogro filantrópico, posee también los atributos de lo monstruoso, lo
terrorífico y lo absurdo.


3En la película, Blue Demon, personaje supuestamente bueno e incorrupto, es
capturado y sustituido por un doble maligno bajo las órdenes del villano principal, peleando
contra el Santo, su anterior amigo y compañero en la lucha contra el crimen.

YA NO LLUEVE de Rodrigo Ímaz

Galería Casa Frissac

México D.F. 2009

Durante el recorrido, un compendio circundante y reposado

chispea corriente abajo llegando al cielo.

Cuando se abstrae la rotación en parálisis, las gotas hacen mar.

Del mar las aves y de las nubes los puntos pulpo que le abrazan.

La reproducción como pálpito constante que gira preservando el

baile; como cuando se moja el suelo y se llenan los vasos.

Pero las ruedas que no se conducen se empañan mientras los

peregrinos de atrás duermen haciendo viaje.

De todos modos, ya no llueve tierra y lo que persiguen las calles,

siendo lo mismo que lo que refleja la huella, el objeto o este

momento, pues también volará.

Sara H. Peñalver

LAS PARVADAS Y EL LITORAL VERTICAL

LAS PARVADAS Y EL LITORAL VERTICAL
Juan Manuel López

“nada es más vasto que las cosas vacías"
Francis Bacon

El comienzo de una nueva mirada, también de arriba hacia abajo, al borde de la atmósfera en el límite del mundo en equilibrio de lo vertical del vacío, desenmascarando para siempre el anterior horizonte de la apropiación regional, o nacional, que ocultaba el de la duración y el de la extensión. La línea del horizonte es la primera frontera de la especie, la peor ”mi porvenir es el país que esta delante de mí”. La articulación de nuestras relaciones esta fundada sobre ese aplastamiento, sobre este apisamiento bajo el peso del cielo que nos constriñe a huir por la horizontal; todos nuestros conflictos pasados provienen de la chatura de la arena mundial, y el “Lebensraum” nazi no era más que el último avatar de este arcaismo geográfico.

Si bien para lo horizontal existe el horizonte, para lo vertical no existe tal cosa. Miramos entonces las
estrellas, la Luna, los otros planetas y vemos que en lo vertical no hay un límite. La línea del horizonte no es únicamente la plataforma del salto: es también el primer litoral ,el litoral vertical el que separa absolutamente lo" vacío" de lo "lleno".

Este vuelco gigantesco del mundo no nos alertó lo suficiente; desde entonces somos obrados, sin saberlo, y vivimos fláccidamente adosados al piso, estamos atravesados, tropezamos sin cesar y sin saberlo. El avión que nos sobrevuela nos corta el camino. Titubeamos como el homínido encorvado, primates, nuestros objetos y nuestras construcciones: inutilizables, inhabitables: la profundidad del cielo nos da vértigo, pero ni siquiera sabemos lo que éste significa, aunque conocemos el temor y el atractivo de las lejanías, la agorafobia responsable de las conquistas del imperio y la claustrofobia que aún no sirve para reprimir a nuestros enemigos, para secuestrar a nuestros amigos.

El vértigo y la libertad no son sinónimos. Los techos nos preservan…a nadie se le ocurrió que nos limitan más que las paredes. Cuando nos desplazamos por la calle o por el campo, nuestro andar resulta
comparable a una natación. Contemplamos el fondo, acostados, nos escapamos donde el dormir donde
nuestros sueños repiten la geometría de nuestras vigilias, y cuando caemos bruscamente nos reencontramos parados, despiertos, de cara al horizonte.

El homínido, sobre sus cuatro patas, ya no contemplaba más sus pies: miraba hacia delante; al enderezarse, sólo su cuerpo se ha desplazado hacia la práctica manual. Todavía falta enderezar la cabeza,
dejar de considerar nuestras manos y, narcisísticamente, sus obras, para ver la extensión profunda del
espacio sin horizonte, con el tiempo como último hito. La duración extendida encima de nuestras cabezas, de nuestros techos, ya es un campo de acción , un campo desconocido pero que debemos practicar si queremos volver a empezar otra vez…

Rodrigo Ímaz: Exposición PARVADA

Curaduría: Karen Huber
Galería La 77
México D.F. 2011

Dicen Gilles Deleuze y Felix Guattari en Mil mecetas: ¡No seáis ni Uno ni Múltiple, sed Multiplicidades!

Para ser Parvada hay que dejar de ser uno y ser varios. Un pájaro no puede ser parvada, varios sí: tal es el poder de la masa. La soledad del individuo a-islado se contrapone a la libertad que promete el aleteo en Parvada.

El vuelo simboliza la forma ideal de la libertad, mientras que la Parvada se refiere a la posibilidad de crear una comunidad. Los humanos somos tan sólo “bípedos implumes” que soñamos con elevarnos.

Las Parvadas representan la libertad del vuelo y la alegría de la compañía, son instantes poéticos donde todos los individuos trabajan por el bien común y disfrutan del placer de volar: giran, mutan, huyen, se desarticulan, hacen formas…viajan.

No podríamos decir que los pájaros en soledad no vuelan alto, sin embargo, al ser Parvada se vuelven una organización fuerte y productiva, comunicada entre ellos mismos, centenares de aves hacen una función común y cada individuo se mueve a la par del otro: la colectividad es una noción intrínseca en la que gran cantidad de ojos contribuyen a un buen sistema de alerta rápida.

El tema de la exposición surge de una serie de cuestionamientos del artista: ¿cómo es mi parvada?, ¿qué le aqueja?, tal y como si se preguntara ¿cómo está mi país?, ¿cómo están mis cercanos?, ¿qué le duele a los míos?

Metafóricamente, para el artista la Parvada es un elemento natural que le permite generar analogías con el comportamiento humano. Al mismo tiempo la Parvada es unelemento inaprensible y natural, lejos de las jaulas y los cautiverios -como la levedad de las alas- un instante de libertad.

Maria Vogel en Distrito14: Moda en Movimiento

El viernes 3 de diciembre del 2010, María Vogel exhibió su nueva colección de prendas en la galería Distrito 14, donde optó por una aproximación distinta: presentó su trabajo como una especie de instalación artística, en movimiento controlado, creando un lazo dinámico con el público.

Con una proyección del video de “Walking in an Exaggerated Manner around the Perimeter of a Square” (1967-68) de Bruce Nauman al fondo, las modelos se desplazaron sobre el perímetro de dos rectángulos, uno dentro de otro, que funcionaban como pasarelas cíclicas. El público fue invitado a observar a las modelos mientras caminaban y vivían en los diseños de Vogel. Algunas personas, inclusive, irrumpían en el espacio designado para las modelos, en otras ocasiones tan restringido.

En esta exhibición en movimiento el trabajo de la diseñadora mexicana pudo apreciarse más allá de la prenda y el objeto: el estilo, las personas que construimos, y el control del cuerpo que hacemos a través de la vestimenta.

La exhibición fue una colaboración de Vogel con Raúl Mirlo, Rafael Casas, Nacho L.a.c.r.a. y marsantonelo.

Vogel es una de las promesas nacionales de la industria mexicana de la moda. Egresó de CEDIM de Diseño de Modas a finales de 2009, y desde entonces, ha presentado su trabajo en eventos como International Designers México (IDM) y Monterrey Trends. Este año apareció en la portada de la revista Elle, donde celebraron su trabajo a su corta edad.

Nota por Isabel Villarreal 

Para más fotos: www.d14gallery.com